P h o t o g r a p h i e
Photographie artistique de portraits masculins
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Photographes créatifs
Un portrait ne se limite pas à une simple capture de traits. Il est une fenêtre ouverte sur l’âme, un dialogue visuel entre l’artiste et son sujet, une exploration où l’ordinaire devient extraordinaire. L'approche de la photographie portraitiste repose sur la volonté de repousser les limites du conventionnel, d’explorer des perspectives inédites et d’insuffler à chaque image une force narrative unique.
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Jouer avec la lumière, les contrastes et les textures pour sculpter des atmosphères qui interpellent. Parfois, un regard capturé sous un angle inattendu, un mouvement suspendu dans l’espace ou une mise en scène audacieuse suffisent à transformer un portrait en œuvre d’art. Un portrait créatif crée une image qui retient l’attention, intriguent et racontent une histoire.
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Ce portfolio est une invitation à découvrir des portraits hors norme, où chaque cliché est une rencontre, un instant figé qui défie les attentes. Plongez dans un univers où le portrait devient une expérimentation visuelle, un jeu entre réalité et imagination, et où chaque visage révèle bien plus que ce que l’œil perçoit au premier regard.
“A photographic portrait promises to delay or deny our mortality, magically freezing a moment in time. My work takes that moment and peels back the curtain, exposing thoughts, fears and dreams. Its exaggerated theatricality demands your attention. Tales are told through the eyes and the orientation of head and body. Subtle changes in color and light create an atmosphere from another time and place.
“I prefer to shoot my photographs simply, with basic studio lighting. These digital images form the skeleton of my new reality. Light, shadow and colors are manipulated to set the stage. Layered textures combine with my still life and landscape photos, antique documents, images from NASA and myriad other objects conjured for the occasion.
“My goal is a contemporary portrait with references to painting, history and environment.”
Rituel d'ombre et de lumière
Cette image évoque une composition picturale inspirée des peintures classiques et des mises en scène théâtrales. L’ambiance sombre et mystique est accentuée par un éclairage dramatique et une texture qui rappelle les tableaux de la Renaissance ou du Baroque.
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Au centre, un personnage vêtu de blanc, coiffé d'une mitre, semble incarner une figure d'autorité spirituelle ou religieuse. Son expression est impassible, presque divine, renforçant une sensation de hiérarchie ou de jugement. De part et d’autre, deux figures encapuchonnées en robes blanches semblent jouer des rôles rituels: l’une en position de prière, l’autre dans une posture plus soumise.​​
Les deux modèles masculins dénudés ajoutent une dimension de vulnérabilité et de tension. L’un est assis au sol, le regard baissé, tandis que l’autre est en équilibre sur une chaise, le corps tendu vers une présence invisible.
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Le reflet dans le tableau en arrière-plan introduit une mise en abyme troublante, donnant une impression de répétition ou d’écho entre les mondes visibles et invisibles.
L’image explore des thèmes comme le pouvoir, la soumission, la spiritualité et le sacré, dans une esthétique qui fusionne le symbolisme et l’iconographie religieuse avec une approche contemporaine de la mise en scène.
L'élément fusionnel entre les deux frères se manifeste par leur posture presque symbiotique : allongés côte à côte, tendus vers la femme, unis dans un même élan. Leur corps dénudé et leur chevelure similaire renforcent cette impression de gémellité, comme s’ils ne formaient qu’un seul être à deux têtes, animé par une fascination commune.
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Cette image peut être interprétée comme une métaphore du désir partagé, où l’individualité s’efface au profit d’une quête collective d’attention féminine. Il y a aussi une dimension presque mythologique : les frères rappellent des figures antiques, cherchant à séduire ou capturer une muse insaisissable.​
Exhibited at ImageNation Milan since 2021, Nicholas Fols & Siermond are two young Italian photographers focused on fine-art. Disturbing, melancholy, tormented and extraordinarily perfect subjects are immortalized in a suspended, almost surreal atmosphere, where everything seems delicate and ethereal. Their photos are modern fairy tales full of magnetic charm, endowed with such extraordinary beauty that they seem unreal.
Pasquale se définit comme un Visionnaire de l’Inconscient.
Les principales sources d’inspiration de ses œuvres sont les images mystiques qui apparaissent dans son esprit pendant le sommeil et les instincts freudiens de vie et de mort (Eròs et Thanatos) qui planent dans son esprit de manière spasmodique.
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Les modèles communique le sentiment du narcissisme inexprimé de l’artiste. Plongez dans cette atmosphère énigmatique de ses projets.
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L'ombre du vent
Cette photographie dégage une atmosphère à la fois onirique et mélancolique. Le sujet, un homme vêtu d’un long manteau sombre, se tient dans un décor brumeux et sauvage, renforçant une sensation de solitude et de mystère. Son torse partiellement découvert, combiné à son geste dramatique en l'air tenant un voile noir flottant, évoque une quête d’émancipation ou un dialogue intérieur intense. La palette de couleurs, dominée par des tons froids et désaturés, accentue l’ambiance poétique et cinématographique. L’usage du voile crée une dynamique visuelle intéressante, symbolisant peut-être un désir d’évasion ou une lutte contre une oppression invisible. L’image semble s’inscrire dans une esthétique éditoriale et artistique, rappelant les productions de mode conceptuelles. Elle capture une émotion brute et intemporelle, invitant le spectateur à une réflexion sur la fragilité humaine, la liberté et le rapport au monde naturel.
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Jean-Claude Lussier, sensible à la beauté de l'image, a su défendre sa place au sein de l'industrie de la photographie de mode au Canada depuis 1984. Autodidacte et passionné, il continu aujourd'hui de travailler la photographie en s'adaptant aux réalités des marchés, tout en respectant ses visions artistiques. Si les façons de faire ont évolués avec le temps, l'envie de créer et de raffiner les esthétismes restent une source d'inspiration immense pour Jean-Claude. L'expérience studio chez Jean-Claude Lussier a toujours eu comme mission d'atteindre les plus hauts standards de qualité, en pratiquant des valeurs inclusives et sincères.
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Exerçant le métier dans son studio au cœur du plateau Mont-Royal depuis 30 ans, il opte aujourd'hui de relocaliser ses activités au centre-ville de Montréal afin de développer un espace studio aménageable en galerie d'art afin d'exposer ses archives et ses prochaines réalisations. En favorisant l'impression grand format et l'encadrement d'œuvres sélectionnées, les images intègrent des environnements et prennent de nouvelles dimensions.
Collection vénitienne
Cette photographie de la "Collection vénitienne" de Jean-Claude Lussier se distingue par une esthétique baroque et onirique, mêlant mystère, théâtralité et intemporalité. Son traitement en noir et blanc sépia, avec une texture granuleuse et des effets d’usure, rappelle les photographies anciennes ou les gravures du passé.
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L’image présente un personnage vêtu d’un costume historique, orné d’une coiffure imposante, évoquant la noblesse et les fastes du XVIe siècle vénitien. Son regard perçant et sa posture inclinée donnent une impression de mouvement figé, comme une scène théâtrale suspendue dans le temps. L’inclinaison du cadrage et la présence de rayures et superpositions visuelles créent un effet de réminiscence, comme si l’image était un souvenir lointain ou une apparition spectrale.
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L’éclairage diffus, aux contrastes adoucis, fait fusionner les contours du sujet avec l’environnement, accentuant une atmosphère fantomatique et énigmatique. Cette approche stylisée évoque le carnaval vénitien, où l’illusion, le mystère et la dualité entre ombre et lumière jouent un rôle central.
Lussier parvient ainsi à capturer l’essence d’une Venise intemporelle et théâtrale, où le faste et le mystère s’entrelacent dans une vision poétique et nostalgique.
Cette photographie de Frank A. Gardso capte une scène empreinte de sensualité et de douceur. Le cadrage serré met en valeur le modèle, dont l’expression intense est accentuée par un éclairage doux qui sculpte les contours de son visage. La fraise rouge vif attire immédiatement le regard, contrastant avec les tons chauds de la peau et ajoutant une dimension sensorielle à l’image. L’interaction entre la bouche et le fruit évoque le désir, la tentation et le plaisir, renforçant une symbolique de l’éveil des sens. L’arrière-plan neutre et flou recentre l’attention sur cette scène intime, tandis que le choix d’un modèle masculin jouant avec des codes traditionnellement féminins questionne les notions de genre et d’identité. L’ensemble crée une atmosphère élégante et intrigante, où la photographie devient un dialogue entre le regard du spectateur et l’intensité du sujet, oscillant entre innocence et passion.
Film maker​​​
Instagram​​​
Collection des masques
Frank A. Gardso a composé une collection de portraits d’hommes torse nu avec le visage caché par un masque pour interroger l’identité, la vulnérabilité et la perception de la masculinité. En dissimulant le visage, il efface l’individualité de ses sujets, les transformant en figures anonymes, presque universelles. Ce choix artistique questionne la manière dont la société réduit souvent l’homme à son apparence physique, occultant sa personnalité et ses émotions.
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Le masque ajoute une dimension de mystère, obligeant le spectateur à imaginer l’histoire et les émotions des modèles. Il peut aussi symboliser la pression sociale qui impose aux hommes un rôle précis, cachant leurs fragilités. Enfin, cette série explore la frontière entre force et vulnérabilité, mettant en avant des corps exposés mais des identités dissimulées. Gardso crée ainsi une œuvre puissante, où l’absence de regard interpelle et incite à la réflexion.
Troy Schooneman, un talent reconnu dans le domaine du portrait contemporain, propose un ensemble d’œuvres qui équilibre délicatement la photographie d’art traditionnelle avec le potentiel innovant des technologies numériques et d’IA. Capturant l’essence de ses sujets, l’œuvre de Schooneman explore la tapisserie émotionnelle complexe de la masculinité, des attentes de la société et des troubles intérieurs. Bien qu’il n’ait jamais suivi de formation artistique formelle, la passion de Schooneman pour le patrimoine artistique européen, en particulier la Renaissance, la sculpture classique et le travail de maîtres tels qu’Auguste Rodin, l’a incité à poursuivre l’art comme passe-temps. Malgré sa carrière d’avocat, son dévouement à son métier a donné lieu à un ensemble d’œuvres captivantes qui ont attiré l’attention des galeries et des collectionneurs d’art à travers les États-Unis et l’Europe.
Les photographies d’art de Schooneman, créées entre 2013 et 2020, témoignent de son engagement à redonner au nu masculin un lieu de vénération artistique. S’inspirant du symbolisme de la forme masculine dans l’art classique, son travail se concentre sur la représentation de ses sujets d’une manière qui évoque la beauté intemporelle et la vulnérabilité de l’expérience humaine, sans recourir à une sexualisation inutile. La représentation du nu masculin dans les beaux-arts était autrefois considérée comme la plus noble des entreprises artistiques. Dans la Grèce antique, le physique masculin représentait un symbole puissant de la civilisation, du pouvoir et de la supériorité grecques.
Cette image fascinante joue avec la frontière entre la chair et la pierre, entre la vie et l’immobilité. Elle représente un jeune homme dont l’apparence évoque à la fois une statue et un être vivant, fusionnant ainsi l’humain avec l’art sculptural classique. La posture tendre et mélancolique du modèle, qui semble se laisser envelopper par la figure de marbre derrière lui, suggère un dialogue intime entre le passé et le présent, entre la mémoire et l’instant.
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Les coulées de teinte grise sur la peau évoquent l’érosion du temps, comme si la chair elle-même était en train de se transformer en pierre. Le fond patiné et les couleurs douces renforcent cette esthétique onirique et romantique. Il se dégage de cette scène une certaine nostalgie, une réflexion sur l’amour figé dans l’éternité ou peut-être la difficulté de s’échapper d’un passé figé.
Cette photographie exprime une dualité entre force et vulnérabilité, jouant sur la texture et la composition pour évoquer une forme de confinement émotionnel. Le modèle adopte une posture défensive, son visage partiellement caché par son bras, comme s’il cherchait à se protéger du regard extérieur. Pourtant, son torse dénudé et sa chemise entrouverte traduisent une tension entre exposition et retrait, entre le désir de s'affirmer et la peur de se révéler.
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L’effet de texture, qui donne l’illusion d’une surface fissurée, renforce l’idée d’un corps emprisonné, figé dans une matière usée par le temps. Cette fissure pourrait symboliser une faille intérieure, un bouleversement personnel ou une transformation en cours.
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L’image oscille ainsi entre réalité et illusion, suggérant un être fragmenté, tiraillé entre présence et effacement, dans une atmosphère empreinte de mystère et de mélancolie.
Flickr Portfolio​​​​​
Thomas Edwin s’exprime avec une subtilité maîtrisée, misant sur une gestuelle fluide et des expressions nuancées. Son regard, souvent introspectif, dégage une intensité silencieuse qui capte l’attention sans effort. Il privilégie des poses naturelles, jouant sur des mouvements délicats et un relâchement maîtrisé qui confèrent une impression de spontanéité raffinée. Son interaction avec la lumière est essentielle : il l’utilise pour souligner la douceur de ses traits ou créer des contrastes subtils qui renforcent la profondeur de son expression. Son charisme repose sur une présence calme et magnétique, évoquant une élégance intemporelle et une sensibilité artistique discrète.
Exhibition 2019: Boys Boys Boys
Instagram
For more than 40 years, David Vance has enjoyed a successful career photographing advertising and editorial assignments for Cosmopolitan, Entertainment Weekly, Interview, Men's Health, Rolling Stone, Tennis, Uomo and Harper's Bazaar, Italia.
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Among his clients are Revlon, Rolex, Sony, Atlantic and Island Records, Time-Life, Doubleday, Coca-Cola, Panama Jack, Kodak , Lions Gate and Miramax films.
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One of his first assignments was photographing the cast of the original Broadway production of "Oh! Calcutta." Celebrity portraits include Bea Arthur, William Baldwin, Steven Bauer, Toni Braxton, Gloria Estefan, Daisey Fuentes, Andy Garcia, Hal Holbrook, K.C. and the Sunshine Band, Sophia Loren, Ricky Martin, Johnny Mathis, Luciano Pavarotti, Iggy Pop, Steven Seagal, Eli Wallach ,Dionne Warwick and Lil’ Wayne. Sports figures include Billy Bean, Chris Evert, Mitch Gaylord, Greg Louganis, Dan Marino, Don Mattingly, Johnny Mitchell and Mary Pierce.
David has published 12 books of his work Visions, The Ultimate Book of Nudes, The Woods, David Vance/Photographs, Attractions, Timeless, Heavenly Bodies, Erotic Dreams, Jungle Fever, Timeless Bodies, Men and Gods and Masculine Beauty, and Emotion.
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An alumnus of Rochester Institute of Technology, David continues his international work and maintains his studio base in his hometown of Miami.
Desirée Dolron is a Dutch photographer known for her painterly, introspective images blending documentary and fine art. Her Xteriors series (2001–ongoing) features staged portraits reminiscent of Dutch Golden Age paintings, with moody lighting and a timeless, ethereal quality. In contrast, Exaltation (1991–1999) documents intense religious rituals, exploring themes of devotion and suffering. Te dí todos mis sueños (1999–2003) captures everyday life in Cuba with a soft, melancholic aesthetic, while Gaze (1996–1998) presents intimate portraits of people with closed eyes, evoking introspection. Dolron’s work is marked by meticulous technical precision, a deep understanding of light, and a balance between control and spontaneity. Drawing from both classical painting and photography, she creates images that feel both contemporary and timeless, often exploring spirituality, silence, and the human condition with a dreamlike yet hyper-real clarity. Her fusion of historical and modern influences makes her a unique voice in contemporary photography.
Claude Gauthier
Claude Gauthier is a fine art and portrait photographer whose work focuses on the human body as a central artistic subject. His photography is deeply rooted in the idea that the body is a "masterpiece of living art," capable of expressing emotions and telling stories beyond words. His images celebrate the beauty and diversity of the human form while challenging societal perceptions of nudity and sensuality​.
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Gauthier's portfolio includes portraiture, bodyscapes, urban scenes, and conceptual works. His series Hidden Facesexplores emotions through body language, emphasizing gestures over facial expressions. His exhibitions, such as Danse Imaginaire and Porteurs de Masques, demonstrate a commitment to capturing grace and movement​.
His approach is characterized by technical precision and artistic sensitivity, creating images that evoke intimacy and reverence. Through his lens, Gauthier immortalizes moments of vulnerability, strength, and aesthetic beauty​.
